Metal Aliegance y su nuevo Disco Power Drunk Majesty

Metal Aliegance banda donde Dave Elleffson de Megadeth toca el bajo, ha lanzado un nuevo disco y esta entrevista Alex Skoinick quien estuvo involucrado en el mismo nos cuenta un poco mas sobre el disco y porque deberíamos de escucharlo. 

Entrevista con Alex Skolnick Sobre «Volume II: Power Drunk Majesty» de Metal Allegiance y por qué debería escuchar el nuevo álbum

Tuve el gran placer de hablar con Alex Skolnick, guitarrista y productor de Metal Allegiance, sobre su nuevo disco. Después de intercambiar algunas bromas y antes de comenzar la entrevista, tuve que mencionarle lo siguiente ...

Sebi: He querido decirte que me encanta tu contribución en Thonk [lanzamiento de 1995] de Michael Manring.

Alex: Oh, gracias, gracias. Eso fue muy divertido. Esa fue mi primera grabación con un artista no metal. Abrió muchas puertas.

Sebi: Me imagino ... Entonces, supongo que has estado muy ocupado con Metal Allegiance y viajando con Testament.

Alex: Ha sido un momento muy ocupado. Y tengo dos álbumes que saldrán en septiembre. Metal Allegiance y un nuevo álbum de Alex Skolnick Trio [llamado «Enigma»], y estoy terminando un ciclo de álbum con Testament en este momento. Estamos de gira con Slayer.

Sebi: El nuevo álbum de Metal Allegiance se llama Volume II: Power DrucNK Majesty, un título excelente y fuerte en mi opinión. ¿Cuál es el significado detrás del título y cómo se relaciona con la música del álbum?

Alex: El título tenía un buen tono y es una crítica para quienes tienen autoridad. Estamos tratando de no ser específicamente políticos, pero hemos visto hipocresía y acaparamiento de poder en muchos niveles de figuras nacionales e internacionales. Simplemente parece ser peor que nunca, y hay más falsedades que nunca. El título realmente llama a aquellos que están borrachos de poder y simplemente dirían cualquier cosa para ser elegidos y permanecer en el cargo.

Sebi: Interesante ... ¿Lo considerarías un álbum conceptual?

Alex: No lo creo, porque hay algunas canciones que tienen muy poco que ver con eso. Es posible que haya alguien capaz de vincular un hilo entre todas las canciones, y todos son bienvenidos a hacerlo, pero específicamente no hay un álbum conceptual en mente, aunque la canción principal es una gran parte del álbum. Son dos canciones que están en secuencia.

Sebi: Hablando de los títulos de los álbumes. ¿Qué tan importantes crees que son los títulos de los álbumes en el lugar de marketing musical de hoy, donde cualquiera puede comprar una canción a la vez?

Alex: Hay dos lados en esa pregunta. Una es que, si observa las tendencias generales, hay menos álbumes y más sencillos. Entonces puedes decir que los álbumes pueden tener menos significado. Por otro lado, hay ejemplos como en el mundo del heavy metal y la música instrumental donde la gente valora el álbum. Para ellos, el título del álbum es importante. Podemos ver eso en las ventas de vinilo. El hecho de que sus ventas hayan aumentado, muestra que a las personas les importan los álbumes, y que no hay mejor manera de identificar un álbum que por su título.

Sebi: Cuando piensas en la conceptualización de un álbum, ¿piensas en cómo unir las canciones en el álbum?

Alex: sí. Digamos que la mayoría de los álbumes tienen entre 9 y 12 canciones. Por lo general, las canciones de la 1 a la 5 tienden a ser de más influencia, esas tienden a estar al principio, si hay un single estará en esa posición.

Y luego, de 6 a 10 –– y estoy hablando de diez porque nuestro nuevo álbum tiene 10 canciones –– puedes ser más experimental. Y, con suerte, no tienes rellenos allí. No debe haber tal cosa como un relleno. Probablemente no escuches un single de las canciones 6 a 8. Pero al mismo tiempo, nuestra canción principal es un poco experimental, y está dividida en dos pistas y va a lugares inesperados. Pero ponerlo como el final le da su gravedad en su ubicación.

Sebi: Y esa es la estrategia que seguiste con tus dos sencillos. La canción Mother of Sin con.Bobby Blitz es la tercera canción del álbum y Voodoo of the Godsend de. Max Cavalera es la sexta canción del álbum.

Alex: Supongo que Voodoo of the Godsend es una excepción a la regla. Por lo general, los singles están más arriba en el disco. Pero tenía sentido, porque en la ubicación del álbum esa es la única canción remotamente así. Tiene una sensación diferente a todas las otras canciones. También tiene un gancho muy bueno y fuerte. Entonces, esa es una excepción a la regla porque funciona realmente bien como una sola.

Sebi: ¿Por qué elegiste estas dos canciones como los dos primeros sencillos?

Alex: Mother of Sin tuvo una gran reacción en vivo, y también es muy fácil de seguir. Para una segunda melodía, no queríamos que sonara demasiado en la misma línea. Queríamos mostrar el rango. Y, por supuesto, Max Cavalera, es un nombre tan legendario. Es muy emocionante tenerlo. Entonces ahí está eso. Y, por otra parte, no sé si fue una decisión consciente o no: dos de los miembros principales de Metal Allegiance son bajistas, el fundador Mark Menghi y Dave Ellefson, y para estas dos primeras canciones, cada una de esas melodías tiene uno de ellos tocando el bajo. Eso muestra el rango, y también cambia el sonido. Ambos son geniales, pero Mark es más un bajista como Cliff Burton y Geezer Butler y Ellefson tiene su propio estilo y toca con una selección. Si graba algunas tomas diferentes de él, están bastante cerca. Es posible que ni siquiera los separes, mientras que Mark toca tomas muy diferentes. Es emocionante porque es tan único. Ese es más el estilo Geezer Butler de bajista.

Sebi: Volviendo a la discusión del álbum. Hay una escuela de pensamiento que cree que las personas ya no quieren pasar más tiempo para sentarse y escuchar un álbum completo. Rob Halford de Judas Priest y otros han explicado eso. ¿Cuál es tu observación y opinión?

Alex: No creo que sea verdad. Eso ciertamente no describe a todos sus fanáticos. El mercado ha cambiado, la audiencia ha cambiado. En 1982, por ejemplo, Screaming for Revenge de Judas Priest tuvieron un éxito con You’ Got Another Thing Coming en la radio convencional. Y llenaron las arenas con gente que sin duda estaba comprando el disco, no solo el single. Es diferente ahora. Tienes menos personas comprando el disco ahora. Podría decirse que los que están comprando tienden a ser más apasionados, porque no es esto lo que todos hacen. Solía ​​ser parte del estilo de vida de todos. Todos iban a la tienda de discos. Ahora es más como un culto: es una cosa mucho más cerrada. Ya sabes, los números han cambiado mucho, pero todavía tienen muchos compradores de discos. Especialmente muchos fanáticos de Priest, que quieren tener la versión en vinilo de British Steel u otros álbumes. Significa algo para ellos. Pero desde el punto de vista de Priest, habían vendido estadios en los 80, llenos de compradores de discos y eso ha cambiado.

Sebi: Continuando con ese discurso: ¿Por qué alguien debería sentarse y escuchar todo el álbum de Power Drunk Majesty de principio a fin?

Alex: Porque, diría, hay un hilo que pasa por todo el disco. A pesar de que no es un álbum conceptual en la línea de The Wall, pensamos en qué canción se incluye en la siguiente canción. ¿Cómo comienza esta canción? ¿Cómo termina esta canción? ¿En qué clave termina esta canción y en qué clave comienza la siguiente canción? ¿Cuál es el tempo de la canción A versus la canción B? Cuando estábamos a la mitad del disco, vimos qué tipo de canciones teniamos hasta ahora y qué tipo de canciones necesitamos ahora. ¿Qué canciones faltan? Lo miramos desde el punto de vista de un registro. Es un poco como un largometraje. Tomemos Pulp Fiction como ejemplo. Puedes ver una escena, y hay muchas escenas geniales, y son fantásticas, pero no obtienes toda la experiencia al ver solo una escena. Realmente necesitas absorber toda la película para apreciarla. Entonces puedes ver la escena individual y tiene aún más significado. Es lo mismo con un álbum y las canciones.

Sebi: Gran explicación. Me gusta esa analogía, así que sigamos con ella. ¿Cómo hiciste tu película?

Alex: Sí, es similar al casting. Tienes un personaje y no todos pueden interpretar al mismo personaje. Hay algunos que son muy diversos, como nuestro cantante principal en conciertos en vivo, Mark Oseguada de Death Angel. Él es muy diverso. Él tiene un rango muy alto y puede ir también a hacer cosas más thrash. Y luego están las otras canciones. La canción de Max Cavalera, sin lugar a dudas, lo tenía escrito por completo con esa sensación tribal indígena. Entonces, no hay duda, eso es para él. Otra canción, como King with a Paper Crown, creo que podría haber funcionado con un tipo de voz diferente, pero habría sido una canción diferente, y Johan de Amon Amarth tiene una voz muy específica. Y su caso, sabíamos que lo queríamos. Creo que en la pista final, especialmente en la segunda parte, necesitábamos a alguien melódico. En ese caso, Floor de Nightwish. Le enviamos material demo y le preguntamos si estaba interesada. Ella respondió que estaba inspirada por eso y se le ocurrió una parte vocal y algunas palabras. Ella nos envió un fragmento y dijo: ‘Si a ustedes les gusta esto, genial. Si no lo haces, está totalmente bien. Puedo intentar otra cosa o podemos intentarlo otra vez ". Y respondimos:" ¡Nos encanta! Sigue haciendo lo que estás haciendo ". Eso sucedió de manera muy orgánica. El casting para cada canción sucedió de una manera diferente.

Sebi: ¿Conseguiste a todos los que querías para el disco?

Alex: Sí, más que. Realmente no sabíamos a quién queríamos. Quiero decir, hay una lista completa de personas, y siempre hay personas a las que esperas, pero no funciona por una razón u otra. En este caso, en cuanto a la programación, estábamos pensando en tener a Chuck Billy de Testament nuevamente, porque hizo un gran trabajo en el último álbum. Obviamente, él y yo trabajamos bien juntos, y ha hecho algunos de nuestros shows en vivo. Pero en cuanto a la programación, simplemente no estaba funcionando para llevarlo al estudio. Luego encontramos a Trevor Strnad [de Black Dahlia Murder] y tenía mucho sentido agregar a alguien nuevo de otra escena del metal, que tal vez no asocias tanto con Metal Allegiance como con Overkill, Testament y Megadeth Eso funcionó muy bien. Entonces, existen los que espera obtener y luego no funciona, pero luego agrega nuevas soluciones. Y luego, está el que no esperas en absoluto. Alguien como Joe Satriani, por ejemplo. Solo le pregunté: ‘Oye, tenemos esto. No sé si alguna vez quisiste participar como invitado ... "y él respondió:" ¡Seguro! "Ahora tengo la oportunidad de intercambiar solos con mi antiguo maestro, Joe Satriani. Esa fue una agradable sorpresa.

Sebi: ¿Fue idea tuya tenerlo en el álbum?

Alex: En realidad fue idea de Mark Menghi. Realmente había estado pensando en eso, porque tenía un puesto de profesor en uno de los últimos campamentos de música de Joe junto con Eric Johnson y Steve Vai. Y fue un gran honor enseñar junto a ellos. Entonces, funcionó y funcionó muy bien en esa canción. Es la canción principal y es la canción con Floor y suena diferente al resto del álbum. Agrega un color diferente y una sensación rítmica diferente.

Sebi: ¡Eso es genial! Bueno, Alex, muchas gracias.

Alex: Un placer, Sebastian.

https://www.albumsthatrock.com/2018/09/24/interview-with-alex-skolnick-on-metal-allegiances-volume-ii-power-drunk-majesty-and-why-you-should-listen-to-the-new-album/

Paramaecium- Exumed of the Earth en Vinilo y CD Re Masterizado

Paramecium- Exumed of The Earth

Cuando Matt Hunt / Bombworks Records anunció hace unos meses que este álbum iba a ser parte de la serie Limited Run Vinyl, ¡estaba extasiado! Cuando él me informó que se lanzaría "alrededor de Pascua", estaba aún más emocionado y le dije que no podía imaginar que se vuelva a emitir un disco mejor en esa época del año cuando celebramos la muerte y resurrección de nuestro Señor. (Para aquellos que no están familiarizados con la música en este lanzamiento, las razones se harán evidentes a medida que examinemos las letras, siga leyendo). Además, el hecho de que iba a ser un lanzamiento de 2LP fue simplemente la guinda del pastel ... ¡especialmente después de que pude ver por primera vez el diseño!

Paramaecium (Australia) en el momento de este lanzamiento constaba de solo 3 miembros: el miembro fundador Andrew Tompkins (bajo / voz), Jason De Ron (guitarras) y el recién adquirido Jayson Sherlock (batería). Sherlock se había separado amigablemente de Steve Rowe y Mortification debido a sus preferencias estilísticas: Jayson quería tocar el death metal principalmente y Mortification se estaba moviendo en una dirección más melódica y diversa. La historia de Jason De Ron es aún más convincente: fue conducido al Señor por el guitarrista anterior de la banda, Mosh, quien decidió abandonar la banda junto con el baterista original Steve Palmer. (Para más detalles sobre estos eventos y Paramaecium alrededor de 1993 ver la entrevista / Reportaje de Doug Van Pelt de Heaven’s Metal # 49).

Exhumed of the Earth

"Conceptualmente basada en la vida de Cristo, esta obra maestra épica, influenciada por los gigantes condenatorios My Dying Bride and Cathedral, presentaba elementos operísticos y otras instrumentaciones clásicas junto con pesados ​​y pesados ​​riffs de guitarra. Con su lanzamiento, el trío australiano de Andrew Tompkins, Jason De Ron y Jayson Sherlock esencialmente entregó la grabación de Doom / Death más poderosa y conmovedora en la historia del metal cristiano. Las letras fuertemente saturadas bíblicamente narraron, en detalles exhaustivos, el nacimiento, la vida, la muerte y la resurrección de Cristo de una manera que nadie había hecho anteriormente ... ¡al menos no con la melodía del heavy metal! Después de partir de Mortificación, Jayson quería moverse musicalmente en una dirección diferente, y su estilo dramático de batería encajaba perfectamente con el fuerte sonido de Paramaecium. Junto con el debut de Veni Domine Fall Babylon Fall (también épico, doom y basado en las escrituras, aún más melódico) que fue lanzado al mismo tiempo por R.E.X. La música en Exhumed era muy importante porque el metal tradicional estaba siendo invadido por el grunge y esencialmente se movía "bajo tierra". Para muchos de nosotros en ese momento, este disco, aunque la música puede ser bastante implacable, fue literalmente una "luz" en la oscuridad ".

Sinceramente, no recuerdo cuando escribí esa sinopsis, tal vez en algún momento entre mediados y finales de los 90 o principios de los 2000, pero sí recuerdo haber usado una parte de ella para una "propaganda" en 2010 para la lista de los 100 mejores álbumes de metal de Heaven's Metal donde se publicó en el número 42. Recuerdo que quería estar más arriba en la lista por su calidad y creatividad en general, pero carecía del factor de impacto más amplio que algunos de los otros álbumes que tenía delante, por lo que, en última instancia, una década después, estoy contento con su posición en el top 50. Es una losa brutal, masiva y pesada de doom/ death metal con estas letras escriturales increíblemente intrincadas e íntimas. El atractivo se encuentra en la paradoja / contradicción entre la música y la letra y también es esta cualidad la que imparte al álbum sus cualidades atemporales. Casi 3 décadas después, estas canciones siguen siendo asombrosamente cautivadoras.

The Songs

Un álbum tan bueno es digno de una revisión periodística exhaustiva, pero mis palabras no pueden hacer justicia a la música o la letra. Compruébelo usted mismo. Aun así, el buen doctor siempre está dispuesto a presentar sus mejores observaciones ...

“The Unnatural Conception in Two Parts” – sabes que se necesita un compromiso con tu arte para abrir tu lanzamiento debut con una obra de 17 minutos. Insano. ¡Aún más loca es la etérea soprano de Rosemary Sutton acompañada de un riff de guitarra monótono distorsionado y batería precisa durante los primeros 4 minutos de la canción! Al minuto 5:30 en la canción, los acordes de poder menores enfermos anuncian el ataque de la primera aparición vocal de Tompkins. Estos son en su mayoría gruñidos gruesos inferiores, pero a veces se ven aumentados por adornos estridentes, casi negruzcos. La voz soprano se lamenta una vez más (presumiblemente María, madre de Jesús) al minuto 9:40 con el violín y el llanto de un bebé (presumiblemente Jesús). El violín sirve para crear tensión, deshilachando los nervios; todo esto nos recuerda que una concepción inmaculada no equivale a un parto sin angustia / sin dolor. La batería y la guitarra frenéticas aceleran el pulso cuando Herodes descubre el nacimiento de Cristo e intenta el infanticidio en una nación, pero a medida que la canción avanza hacia el clímax, el ritmo se ralentiza repentinamente cuando se da cuenta de su fracaso. Tompkins proclama con convicción / resolución gutural: “La Palabra se hizo carne y sangre / a través de la concepción antinatural / por lo tanto, el Cristo del Profeta ha nacido.

"Injudicial": Con una presión menos progresiva y un ritmo de death metal más directo, esta canción encuentra al oyente en medio de la difícil situación de Cristo, comenzando con "oscuridad en el jardín". Me encanta cómo las voces superpuestas prepararon el escenario con esa salva vocal de apertura, brutal. La canción progresa rápidamente a través de la traición de Cristo por parte de Judas. Detente aquí para observar la naturaleza visceral de las letras de este álbum ...

"Traición, el beso de amor del traidor fue una malignidad activa / Como testificaría el ahorcamiento y el destripamiento / Había traicionado sangre inocente"

Los siguientes minutos de death metal marchan a través del grito de sangre del Sanedrín a la puerta de Pilato. Me encanta cómo la música se desacelera en el modo fatal a medida que cambia el estado de ánimo para reflejar la naturaleza ominosa de Pilato y las pesadillas de su esposa, su dilema. La canción culmina con la profunda verdad de que el error de Pilato de condenar a Cristo posteriormente conduce al establecimiento del reino eterno de Dios. Musicalmente, el único problema es que la canción termina demasiado abruptamente.

"The Killing": el tempo extremadamente deprimente aquí enfatiza la brutalidad lenta y agonizante de la muerte de Cristo en la cruz. Es aquí donde Tompkins utiliza el enfoque vocal "superpuesto" con precisión quirúrgica para crear una niebla triste / desesperada y desorientadora. No es sorprendente que esta sea la canción más deprimente del álbum. Él hace esto increíble poniendo énfasis en las palabras "dolor, dolor" y "derramamiento de sangre". Todo llega a un final sombrío con la espeluznante flauta de Judy Hellemons flotando como un hedor a muerte sobre toda la escena musical a medida que se cierra la tumba. Uno de los desafíos con el Doom es qué hacer con todo ese espacio entre notas. Jayson Sherlock brilla aquí mientras sus sutiles volantes de bombo y trucos de tom sirven para llenar algunos de esos espacios.

"Untombed”: El bajo abre la canción acompañado de las flamas de Tom de Sherlock y los crujientes acordes de De Ron. A medida que el doble contrabajo se acelera, el riff de la guitarra avanza con un movimiento casi pegadizo. Luego las cosas se vuelven más lentas. Hay un estado de ánimo fatal cuando las notas de bombo como máquina anclan los acordes de la guitarra doom al movimiento. Hay una lucha de ida y vuelta durante toda la canción mientras De Ron quiere avanzar lentamente mientras Sherlock pone la canción en movimiento con sus pies. La brillantez de Paramaecium es evidente aquí ya que cada nota está perfectamente colocada en el tiempo. Esta es también una de las pistas más líricamente densas del álbum con Tompkins acumulando palabras sobre palabras de manera superpuesta. Es realmente bastante enfermo, pero funciona, especialmente cuando a través de la tormenta de los gruñidos aterriza de manera clara y perceptible en la palabra "sin sepultar". En algún momento puede que estés pidiendo solos de guitarra o algo autocomplaciente. Esto es metal después de todo. Honestamente, la música fluye tan bien, tan cautivado por cada nota que ni siquiera notas esas cosas. La canción es simplemente brillante, aunque una vez más termina con una nota ligeramente incómoda y abrupta.

 “Después de morir, se levantó de la tumba. Sin sepultar "

Este es el final del primer LP ... ¿Agotado o exhumado?

"The Voyage Of The Severed" - Aquí está la pista fundamentalmente instrumental en el álbum. Si bien la letra trata sobre el martirio y la hipocresía en la iglesia, es realmente la primera canción del álbum donde domina la música. Hay una larga introducción doom con tonos de guitarra masivos y toneladas de volantes de contrabajo de Sherlock junto con más timbre de lo que hemos escuchado hasta ahora. En cierto modo, la canción se siente como un "viaje" a través del tiempo. A medida que el pulso del bombo se acelera en la marca de 4 minutos, finalmente tenemos palabras. Las cosas luego se ralentizan en la sección central a medida que las palabras a la iglesia se vuelven más viscerales y mordaces: "La oscuridad comienza a pudrir tu mente, la putrefacción te ha dejado ciego, tus tradiciones y mentiras te han dejado menos que completo". La canción termina hacia el final, deteniéndose a toda velocidad, una verdadera metáfora musical de fruta pudriéndose en la vid.

"Haemorrhage Of Hatred": Se ha señalado durante mucho tiempo como la única canción que realmente nunca se ajustó al concepto del álbum. De todos modos, junto con "Untombed", es mi favorita. En muchos sentidos, esta es también la canción musical que más se parece al death metal de Mortification, tanto en estilo como en contenido lírico. La naturaleza metafórica de las palabras siempre me ha recordado mucho las efusiones de Steve Rowe. La canción enfatiza, a la manera del death metal, cómo el odio consume el alma del enemigo, literalmente consumiendo a una persona desde adentro como un parásito, causando una hemorragia interna fatal que finalmente culmina en la muerte. La imagen en estas palabras es intensamente visceral:

"Hemorragia interna de odio / exudación de odio desde dentro / Hemorragia interna de odio / propagación de masa retorcida de pecado vermicular".

La música en sí es una interacción hirviente y retorcida de guitarra, batería y voz, cada instrumento compitiendo por el dominio a medida que los ritmos y los tempos chocan en la falta de armonía.

"Removed Of The Grave” - Esencialmente la canción principal, esta canción épica (solo una de las muchas aquí) habla de la obra del Espíritu Santo. La hermosa guitarra acústica y la introducción de la flauta ronca presagian la apertura victoriosa de la tumba, primero se manifiesta en la resurrección de Cristo, pero luego, a través de la obra del Espíritu, en todos los creyentes.

"El Espíritu da vida a lo que era mortal / rasgado del suelo, exhumado de la tierra / la vida se restaura cuando se saca de la tumba".

Esta canción es innovadora en muchos niveles, pero la interacción vocal entre las palabras más habladas de Rosemary Sutton y los sonidos guturales de Tompkins es fascinante, como el demonio y el ángel que hablan las mismas palabras de comprensión. En ese sentido, esta canción representa una de las perspectivas más singulares que he encontrado en el metal con respecto a la resurrección física del hombre. Aquí lo vemos desde la perspectiva de los demonios de "pensamos que tendríamos más tiempo antes de que lo hicieran". ser alquilado del suelo ". Porque con esto saben que han sido devorados. Fascinante.

Con todos estos aspectos positivos, ¿cuáles son los negativos? Como he dicho, algunas de estas canciones llegan demasiado rápido a su fin. La banda hace este trabajo increíble de construir las canciones y luego algunas de ellas, como la pista final, terminan demasiado rápido. También he escuchado algunas quejas sobre un tono de guitarra algo monótono en todo momento. Estoy seguro de que esto tuvo un propósito: crear un paisaje sonoro musical que sea brutal y opresivo, y necesario para darle a este álbum la calidad musical única que posee. Sin embargo, en mi opinión, esto es lo más parecido a un álbum perfecto que puedas encontrar, especialmente dentro de los límites del género death / doom, donde es realmente difícil destacar entre la multitud.

El vinilo

En primer lugar, el diseño y la presentación son perfectos. La obra de arte en las portadas se traduce maravillosamente en el tamaño de 12 x 12. La escala más grande le permite apreciar realmente el intrincado trabajo simbólico de arte / diseño en las letras. Tenga en cuenta que la parte posterior de la cubierta de vinilo es fiel al inserto original de la bandeja trasera del CD, por lo que cada una de esas primeras letras a las imágenes del título de la canción ahora se puede apreciar mucho más. La pegatina cuadrada (la mía era removible, a diferencia de las pegatinas LRV que son más permanentes) es una buena ventaja, pero la información que contiene no es completamente precisa. Hay 400 unidades de la salpicadura y 100 unidades en vinilo negro. El interior de la chaqueta contiene un artículo maravillosamente detallado sobre la concepción y grabación del álbum de Andrew Tompkins (escrito en diciembre de 2019) en el panel izquierdo y luego todas las letras / créditos ocupan el panel derecho. Los discos en sí (en la foto) son una belleza, ¡como dos huevos de Pascua en color! - Con un buen peso de 140 gm. Mis dos discos eran planos, centrados y muy limpios. A diferencia de los otros lanzamientos de LRV de segunda generación este año de Retroactive (Siloam, Trytan, Guardian) que cuentan con mangas internas impresas, Exhumed ... tiene las mangas internas con forro de polietileno negro porque todas las letras impresas / notas de revestimiento están en los paneles internos de la chaqueta abatible. Me quito el sombrero ante Scott, Rob y Matt por armar todo esto: ha superado a Seventh Angel - Lament For the Weary 2LP como mi lanzamiento de vinilo favorito de todos los tiempos de Retroactive / Bombworks.

Hasta ahora he tenido mucho que respaldar sobre la música y el producto físico, pero ¿qué pasa con el sonido? Bueno, no tengo palabras (¡la mandíbula de Doug Van Pelt acaba de caer al suelo!) Es cierto: este álbum en vinilo me deja sin palabras. Es genial Esta es la rara grabación que te hace querer llorar, sonreír y gritar de acuerdo con cada palabra (Ok, necesitaría la hoja de letras a mano para estar al día con la exégesis de Tompkins). Te dan la imagen. Pero solo los sonidos que salen de los altavoces ... es como si cada nota te dejara colgado, esperando la próxima ... la siguiente progresión de acordes, el siguiente gruñido, el siguiente golpe de palo o la caída del pedal. Todo suena tan exuberante, masivo y analógico con toneladas de pasión cruda. (Ahí, DVP ... ¿cómo están para las palabras?)

Nota: Tuve el privilegio de tener pruebas de esto para revisar antes de la fecha de lanzamiento real y esos discos fueron perfectos. Informaré que mi vinilo de color, aunque en general está muy limpio, tiene un defecto en la superficie en el lado C. Durante los primeros minutos de "Voyage of the Severed" hay un "pop" constante con cada rotación. Sin rasguños visibles, pero no mejora con la limpieza. Es menor y no disminuye significativamente. Como dije, las impresiones de prueba son limpias, así que espero que sea una casualidad y no algo en cada copia.

El CD

El CD Gold Edition Edition (# 6 en la serie de Retroactive/ Bombworks de Matt Hunt) es el compañero perfecto para el vinilo. Una vez más, existe esta maravillosa calidad "sin comprimir" que permite ajustes más finos en el nivel de volumen. El folleto de 12 páginas ha sido rediseñado por Scott Waters e incluye la redacción de Andrew Tompkins junto con letras "mucho más fáciles de leer". Sin embargo, echo de menos esas referencias de las Escrituras del folleto original de 8 páginas que no se han transferido a las nuevas versiones. De acuerdo con los otros folletos de la serie dorada desde # 5 Siloam, la portada original sin el borde dorado está disponible en la última página del folleto. El CD es dulce, pero este álbum fue construido para el formato de vinilo analógico.

Vinilo

Side A

1.The Unnatural Conception (17:00)

            The Birth

            The Massacre of the Innocents

2. Injudicial (4:37)

Side B

3. The Killing (6:29)

4. Untombed (10:34)

Side C

5. The Voyage of the Severed (9:24)

6. Haemorrhage of Hatred (7:19)

Side D

7. Removed of the Grave (10:37)

CD

1. The Unnatural Conception (17:00)

            The Birth

            The Massacre of the Innocents

2. Injudicial (4:37)

3. The Killing (6:29)

4. Untombed (10:34)

5. The Voyage of the Severed (9:24)

6. Haemorrhage of Hatred (7:19)

7. Removed of the Grave (10:37)

http://dougvanpelt.wixsite.com/heavens-metal-mag/single-post/2020/04/12/PARAMAECIUM---Exhumed-Of-The-Earth-Limited-Run-VinylGold-Disc-Edition

Entrevista a Mantric

https://www.loudhailermagazine.com/

Ole Sveen, cantante, guitarrista y baterista de Mantric habla sobre el álbum recientemente lanzado False Negative, el impacto de COVID-19 y más.

Mantric es una banda progresiva y post-metal que se originó en Olso, Noruega. La banda se formó en 2007, después de la disolución de Extol. Los miembros restantes, John Mjaaland, Tor Glidje y Ole Sveen, que habían tocado previamente juntos en Lengsel y Ganglion, decidieron continuar el proceso de composición y cambiar el nombre de la banda a Mantric.

Mantric firmó con Prosthetic Records y lanzó su álbum debut, The Descent en 2010, seguido de Sin en 2015. Su último álbum, False Negative, fue lanzado por Solid State Records el 24 de abril. Ole Sveen, quien desempeña varios roles dentro de la banda, se tomó el tiempo para intercambiar algunas palabras sobre False Negative, cómo la pandemia de COVID-19 está afectando a la banda, y más.

LH: ¿Cómo está afectando el Coronavirus a la banda hasta ahora?

Sveen: Como banda, realmente no nos ha afectado tanto. Vivimos en diferentes ciudades, por lo que la mayor parte de nuestra comunicación se realiza a través de pantallas de todos modos. Pero nuestra vida cotidiana, por supuesto, está al revés: todos tenemos hijos que necesitan educación en el hogar mientras tratamos de hacer otras cosas, etc. Experimentar exactamente los mismos desafíos que todas las demás personas sanas de nuestra edad en la parte occidental del mundo supongo. Claro, esperamos una fiesta de lanzamiento adecuada, pero solo tendremos que compensarla cuando llegue el otoño o algo así. Al menos, mucha gente tiene más tiempo para escuchar música nueva mientras se distancia socialmente, así que quién sabe, ¿tal vez esto incluso nos ayudará en nuestra carrera?

LH: ¿Cuál fue el objetivo de este nuevo álbum?

Sveen: Esta vez teníamos una idea bastante clara de lo que queríamos, debería sonar grande y actualizado. Y también acordamos que queríamos hacer algo más sencillo. Como siempre, consideramos importante la creatividad, la originalidad y la diversidad, pero también hemos trabajado arduamente para que las canciones se unan como un álbum, para que el producto tenga sentido por completo. Al menos para un oyente no completamente atrapado en un género, eso es.

LH: ¿Cómo fue el proceso de escribir para False Negative?

Sveen: Fue bastante similar a como lo hicimos la última vez. Como vivimos separados y todos tenemos hijos y trabajos a tiempo completo, ya no es posible ensayar dos veces por semana. Entonces, lo que sucede es que Tor Magne y yo grabamos ideas y demos en casa, enviamos a los demás comentarios y debates, hacemos nuevas versiones y hacemos esto muchas veces de un lado a otro. Eventualmente, nos juntamos tocando las ideas y acordamos las estructuras principales de las canciones, antes de que entrar al estudio y grabar la batería. Que en realidad era hace dos años ahora. A partir de ahí, continuamos refinando las ideas, desarrollándolas aún más en el estudio casero de Tor Magne, como parte del proceso de grabación. Así que mucho de lo que escuchas en el álbum sonaba muy diferente cuando lo ensayamos antes de grabar la batería y se hizo mientras estaba en el estudio.

 LH: ¿Todos en la banda contribuyen al proceso de escribir o solo uno?

Sveen: En Mantric, hemos sido principalmente Tor Magne y yo creando las canciones, y John Robert ha contribuido más con ideas para organizar y escribir letras. Sin embargo, Tor Magne ha hecho más que nunca esta vez: hacer la mayor parte de la parte de producción, hacer líneas de sintetizador, melodías vocales, programar bucles de batería, etc., y escribir más letras de las que ha hecho antes, creo.

LH: Las ilustraciones de los discos de Mantric siempre han sido bastante detalladas. ¿Hay alguna razón para eso?

Sveen: Bueno, definitivamente no es gracias a mí, eso es seguro. No soy una persona muy visual, así que a menudo digo "sí, eso se ve bien", lo que sea que sugieran los demás. Pero tanto John Robert como Tor Magne generalmente tienen muchas ideas sobre estas cosas, y al final terminamos teniendo portadas bastante geniales, jaja.

LH: ¿Qué influyó en la canción "The Towering Mountain"?

Sveen: The Towering Mountain es la canción del álbum donde los tres contribuimos más, creo: John Robert escribiendo la letra, yo con los riffs principales para la primera parte de la canción y Tor Magne para la segunda parte. Entonces esta también sería la canción más difícil de responder a esa pregunta. Quería algo agresivo y punk en el álbum, Tor Magne tenía estas ideas geniales para algunos riffs de metal más pesados ​​de los 80 (que terminaron incluyendo una línea de bajo tipo Ozzy), y durante la sesión de estudio, Tor Magne y John Robert trabajaron juntos hacer una especie de tributo a Type O hacia el final. En cuanto a las letras, no tengo idea. Y así terminamos con una canción un poco fuera de lo común de la que estoy realmente orgulloso.

Eric Clayton and The Nine- El Regreso mas esperado

Eric Clayton And the Nine han lanzado su álbum debut, una hermosa pieza de arte que nos recuerda a Saviour Machine, pero va más allá y en su más de una hora de duración te agarra y no te suelta. Pueden escuchar el disco en Bandcamp y comprar la versión digital o también ir a la página de la banda y adquirir el disco físico, una obra de arte.

Pero no contento con eso Eric nos está dando en su Facebook cada día el detrás de cámaras del disco, cada día nos presenta una canción, nos da su significado nos muestra fotos y nos invita a interactuar con él.

El buen Eric está de vuelta y esta vez con fuego, prepárense porque este disco dará que hablar, solo para conocedores.

Eric Clayton And the Nine es el nuevo bebe del vocalista de Saviour Mchine una de los mejores y más creativas bandas en salir a la escena en los 90, Saviour Machine lanzo un demo, luego sus dos primeros y espectaculares trabajos para posteriormente embarcarse en el ambicioso álbum Legend que fue lanzado en 3 partes y generando controversia pues la 3 parte Vol II nunca fue oficialmente lanzada y una compañía años más tarde la lanzaría sin autorización de la banda. Han pasado muchos años de silencio. Eric finalmente ha regresado con una nueva banda, otros proyectos y una historia que contar… En sus propias palabras:

Eric Clayton y Saviour Mchine

Hace cinco años, la vida de Eric Clayton estaba en crisis. ¿Cuál es la novedad?

Desde que formó Saviour Machine en 1989, en la soleada California, con su hermano Jeff, parece que gran parte de su carrera artística y su vida privada han sido maldecidas en lugar de bendecidas. La historia sobre el destierro, la mala administración y las relaciones comerciales que se han deteriorado son legendarias. El hombre incluso sintió la necesidad de escribir un libro al respecto porque ya no era posible explicarlo todo en una entrevista. Y sí. También están las historias sobre algunos álbumes que quedan sin terminar.

Pero esta vez fue en serio. En 2004, Eric fue diagnosticado con el esófago de Barrett, una condición que empeoró en el transcurso de algunos años.

Por ahora todos estamos familiarizados con el sistema de salud estadounidense. No estás asegurado, no hay dinero, te vamos a llenar de pastillas. Todo tipo de ellas. Las que te hacen sentir adormecido, temeroso de todo, cansado de contactar con alguien. Te hacen sentir muerto por dentro.

Este no es un estado en el que un artista puede crear. Especialmente no cuando estás lidiando con el fin del mundo todos los días. Lento pero seguro, la carrera musical de Eric y su vida social se agotaron. Saviour Machine estaba muerto, su matrimonio se vino abajo. Con poco más a bordo que algo de ropa y una pelota de béisbol, Eric Clayton se retiró a un remolque en medio del desierto Utah, decidido a no ser encontrado por nadie.

Eric y Ayreon

Pasaron varios años hasta que la vida de Eric dio un giro, ya que encontró un medicamento que resultó beneficioso tanto para su bienestar físico como mental. Poco después, llegó una inesperada invitación a venir a los Países Bajos para presentarse en una serie de elaboradas presentaciones en vivo de The Theater Equation; el hijo del prog-maestro holandés Ayreon, a quien Eric ya había hecho trabajos de estudio en 2004, en la muy elogiada rockopera The Human Equation.

Como básicamente se había despedido de la industria de la música, tomó algo de persuasión del de parte de Ayreon. Pero eventualmente Eric fue a por ello. Pensando que esta era una buena oportunidad para ganar un poco de dinero y mostrarle a su hija recién graduada un poco de Europa. Pero lo que finalmente sucedió, en el transcurso de dos semanas en 2015, fue algo mucho mayor. Eric no solo se enteró, para su propia sorpresa, sino que disfrutó profundizando en la producción a gran escala, cantando y tocando con la gente, volviendo al escenario para actuar todas las noches, demostró que todavía había un poco de esa vieja bestia dentro de él.

Eric y Jeff y David Bowie

La muerte de David Bowie, quien siempre había sido la mayor fuente de inspiración de Eric, en enero del año siguiente, lo instó a rendirle un homenaje musical. Reconectados con su hermano Jeff, los padres fundadores de Saviour Machine se dispusieron a ver si todavía encontraban consuelo en la creación de música juntos. Y he aquí En lugar de hacer una canción, la colaboración se convirtió en el proyecto Bowie / Decade en el que, durante todo un año, lanzaron una versión de Bowie cada mes. La chispa que surgió de este esfuerzo llegó más allá de los dos hermanos. Para cuando comenzaron a trabajar en la tercera pista de la serie, todos los demás miembros de Saviour Machine habían llegado con ganas de participar. Los jugos creativos comenzaron a fluir y al final del proyecto Bowie todos estaban ansiosos por comenzar a trabajar en nuevo material. Nuevo material de Saviour Machine. Una leyenda renació.

 

Eric y Europa

Pero algo más había sucedido durante ese tiempo en los Países Bajos. Eric encontró el amor. Un amor que finalmente resultó tan fuerte, el vocalista decidió mudarse permanentemente a Europa en el verano de 2017.

Inevitablemente, Eric Clayton se dio cuenta de que solo faltaba una cosa para completar su vida nueva y más feliz: una banda para salir al escenario.

Sí, a través de las maravillas de la tecnología moderna, Saviour Machine está trabajando mucho en un nuevo álbum de estudio, que se lanzará cuando esté finalizado. Pero debido a toda una serie de circunstancias, por ahora, es imposible que Saviour Machine salga a la carretera.

Eric And The Nine

Decidido a no dejar escapar su nueva inspiración y entusiasmo, Eric se acercó a un par de amigos holandeses cercanos con una misión simple: salir, rockear y divertirse.

Y aquí estamos. Eric Clayton y The Nine se embarcaron en una gira que comenzó en noviembre de 2018 en los Países Bajos y finalmente los llevo a varios festivales y clubes en toda Europa. Con un set repleto de clásicos de Saviour Machine que en muchos casos no han sido interpretados en vivo, por una banda de rock, en más de veinte años, una selección del proyecto Bowie / Decade y homenajes a otros héroes musicales.

Eric Clayton está de vuelta en el escenario. Quién sabe a dónde llevará esto.

Miembros de la banda EC9

Eric Clayton (voz)

Twan Bakker (batería)

Rob Dokter (bajo)

Bas Alberse

https://www.ericclaytonandthenine.com/

https://ericclaytonandthenine.bandcamp.com/releases